Im Verlaufe seiner Karriere fand Guercino von einem dramatischen, durch starkes Chiaroscuro geprägten Frühwerk zum klassisch beruhigten Stil seiner reifen Periode. Seine Kunst umfasst so in einzigartiger Weise die beiden Pole, zwischen denen sich die barocke Malerei in Italien bewegte. Guercino war aber nicht nur ein grosser Maler, sondern auch einer der begnadetsten Zeichner seiner Epoche. Dank der meisterhaften Beherrschung der technischen Mittel gelang es ihm, mit grosser Subtilität die Stimmung des dargestellten Motivs einzufangen (sei es eine dramatische Historie, die er mit schwungvollem Federstrich aufs Blatt warf, oder das Spiel von Licht und Schatten in seinen Figurenstudien in Kreide oder Ölkohle).

Die Uffizien besitzen eine der weltweit grössten und wichtigsten Sammlungen von Zeichnungen des Künstlers, die vom führenden Guercino-Spezialisten Nicholas Turner gesichtet und wissenschaftlich bearbeitet wurde. Für die Ausstellung wurden 52 Blätter des Künstlers aller Schaffensphasen und Gattungen – Figuren- und Kompositionsstudien ebenso wie Landschaften und Genreszenen – sowie 43 Zeichnungen seiner Werkstattmitarbeiter und Nachfolger ausgewählt. Neben vielen bekannten Meisterwerken befinden sich darunter auch zahlreiche bisher unpublizierte oder noch nie gezeigte Blätter. So wird die Ausstellung den Fachleuten unbekanntes Material bieten und zugleich dem breiteren Publikum einen grossartigen Überblick über das zeichnerische Schaffen Guercinos geben. Es ist deshalb ein Glücksfall für das Schweizer Publikum, dass die Schau nach der Präsentation in Florenz auch im Kunstmuseum Bern gezeigt werden kann, als erste monographische Ausstellung Guercinos in der Schweiz überhaupt.

Es ist unbestritten, dass Giovanni Giacometti - wie auch Amiet - zu den führenden Schweizer Künstlern gehört, der zwischen Impressionismus, Postimpressionismus und Fauvismus die wesentlichen Neuerungen der Moderne aufgenommen und weiterentwickelt hat. Von seinem herausragenden Schaffen geht eine grosse koloristische Kraft aus, die den Künstler bis zu den in gleissendes Licht getauchten Berg- und Landschaftspanoramen von Bergell und von Maloja – dem Sitz seines Sommerateliers – begleiten sollte. Er bemühte sich um die Wiedergabe von sich verändernden Lichtverhältnissen und um die Intensivierung der Licht- und Farbwirkung, die er durch das Nebeneinandersetzen von Pinselstrichen oder Punkten mit ungemischten, oft komplementär sich ergänzenden Farben erreichte.

In den Fokus der Aufmerksamkeit soll anhand von ungefähr hundert Gemälden Giovanni Giacomettis geniale, vibrierende Lichtorchestrierung rücken. Vereinzelte Werke von Zeitgenossen wie Amiet und Segantini werden die Schau ergänzen. Es soll deutlich werden, dass der Künstler im Kontext seiner neoimpressionistischen Kollegen sowie auch im Kreis der Expressionisten einen ebenbürtigen Platz einnimmt.

Die Ausstellung wird zeigen, dass Giovanni Giacometti eine höchst bemerkenswerte Persönlichkeit von internationalem Rang innerhalb der Entwicklung moderner Malerei darstellt.

Die künstlerische Ausbeute dieser spannenden Erfahrungen soll nun in einer Gruppenausstellung präsentiert werden. Ergänzt wird diese durch Werke der in Zürich lebenden und in Bern ausgebildeten Künstlerin Ana Roldan, welche 2008 während eines halben Jahres das Atelier der Stadt Zürich in Kunming bewohnte.

Bei allen sieben Künstlern hat der Aufenthalt nachhaltige Wirkung gezeigt, was sich in unterschiedlicher Weise in ihrem Werk niederschlägt. Besonderen Eindruck hinterliessen die zahlreichen Grossbaustellen, die der deutlichste Ausdruck des grundlegenden Wandels ist, in dem sich das „Reich der Mitte“ befindet. Die Beschäftigung mit dem Abriss ganzer Quartiere, dem aufgewühlten Boden sowie der in die Höhe wachsenden Mauerstützen schlug sich beispielsweise in Pierre-Philippe Freymonds Fotografien nieder, Sharyar Nashat hat einen Film über den Betonguss einer Säule gedreht und die Gebrüder Chapuisat waren schon immer Meister der skulpturalen und architektonischen Raumverfremdung. In Christian Vetters grossformatigen Gemälden und Zeichnungszyklus kam es gar zum grundlegenden Stil- und Themenwandel hin zur Abstraktion und weg von der Farbe. Ana Roldan hingegen setzt sich eher konzeptuell mit der chinesischen Geschichte, aber auch mit der Bedeutung von China als Wirtschaftsmacht auseinander.

1957 schockierte er die Öffentlichkeit durch den Gewinn des Eidgenössischen Kunststipendiums mit einer durch Tusche vollgespritzten Leinwand, Sam Francis bat ihn um einen Bildertausch, Fotografien zeigen ihn Seite an Seite neben Barnett Newman über eine Arbeit gebeugt – Rolf Iseli war in den Fünfziger Jahren am Puls der Zeit und galt neben Jean Tinguely und Bernhard Luginbühl als eines der vielversprechenden „Dark horses“ der jungen Schweizer Kunstszene. Als einen der wenigen Schweizer Künstler besuchte er nicht nur Paris, sondern gelangte auch nach New York und überführte das in den Kunstmetropolen gesehene in einen der koloristisch intensivsten und gestisch radikalsten Beiträge zum Abstrakten Expressionismus in der Schweiz.

Doch Iseli blieb nicht wie viele Kollegen beim abstrakten Bildvokabular stehen, hielt sich selbst und sein Werk stets in Bewegung. So besuchte er ab Mitte der sechziger Jahre Moskau, durchreiste China und positionierte sein Schaffen radikal neu. Sein kurzer Ausflug in die Pop-Art manifestiert sich zu Beginn der siebziger Jahre in gusseisernen Skulpturen, die teilweise prominent im öffentlichen Raum platziert, und die Zahlen und andere Alltagsgegenstände zitieren, die in Zusammenarbeit mit der legendären Schmiede- und Giessereiabteilung der Firma Von Roll entstanden.

Fortan zieht sich Iseli in die ländliche Umgebung von St. Romain im Burgund zurück, was sich in seinem Werk niederschlägt. 1971 entsteht das erste Erdbild, in dem er Materialien aus seiner nächsten Umgebung – wie Erde, Bienenwaben, Stroh oder Draht – verarbeitet. Neben den Erdlandschaften, die immer wieder gegenständliche Assoziationen aufweisen und gleichzeitig an die tachistischen Arbeiten der fünfziger Jahre anknüpfen, wird ab den siebziger Jahren die menschliche Figur wichtiger Bestandteil seines Repertoires. Iseli’s eigene Silhouette taucht in unzähligen Variationen auf. Mit „Homme de Terre“ visualisiert er die enge Beziehung zwischen Natur und Figur; Lithographien überarbeitet er mit Erde und Kohlstift, begleitet von Textfragmenten.

In den neunziger Jahren hält sich Rolf Iseli vermehrt in Jávea (Spanien) auf. Die mediterrane Landschaft wird zu seiner neuen Inspirationsquelle, die Werke gewinnen an Leuchtkraft und Farbigkeit. Iseli’s Erdverbundenheit sowie das Ausloten von technischen Möglichkeiten und Prozessen auf dem Papier zeichnet auch die jüngsten Werke aus. Seine Striche sind Elementarerlebnisse, deren Direktheit man sich kaum entziehen kann.

Die Ausstellung umfasst Werke aus allen Schaffensphasen: Informel/Frühe Ölbilder, Objekte, Erdbilder sowie Druckgraphik und neueste Arbeiten

Inmitten archäologischer Ruinen, umrahmt von tunesischen Torbögen, wehenden Vorhangstreifen und Säulenkapitellen aus der Antike, erwarten Sie verschiedene Stationen, welche Sie zu aktivem Mittun einladen: Sie haben die Möglichkeit, selber Mauerwerk herzustellen, sich im Legen eines Bodenmosaiks zu versuchen und einen Blick in unser Nomadenzelt zu werfen. Oder Sie gestalten Postkarten, welche einmal pro Monat per Luftballon als «Fliegende Teppiche» über den Dächern von Bern dem Himmel zuschweben.
Jeden zweiten Sonntag haben Sie die Gelegenheit, sich auf unterschiedlichste, kreative Weise in die Welt des Orients entführen zu lassen.

Das "Tempelfest" im Kindermuseum Creaviva ist nicht nur eine Aufforderung zur Begegnung mit dem Morgenland. Es eignet sich auch vorzüglich als Einstimmung auf die Orient-Ausstellung in den Räumlichkeiten des Zentrum Paul Klee.

Our modern preoccupation with the historical perspectives of the topic can perhaps be explained by looking back in time: the departure point for the first exhibition is a cluster of cultural and art historical objects and artworks originating from the era when Islamic culture and science was at its zenith. Other items illustrate the relationship between East and West during the Crusades and the emergence of East-West trade, with special emphasis on Venice, a noted centre of trade and artistic accomplishment – as a highlight of this period, the exhibition is featuring Gentile Bellini’s famous Sultan Mehmet II, painted in 1480. From the 18th century onwards, the Orient became an exotic receptacle for the West’s projected imaginations: the exhibition reveals Western art’s enthralment with the East, starting with artists such as Jean-Etienne Liotard and continuing with painters of the 19th and 20th centuries including Eugene Delacroix, Gustave Guillaumet and Henri Matisse.
The fascination and attraction that the East held for European painters prepares the ground for the section of the exhibition dealing specifically with Paul Klee – and particularly with his seminal visit to Tunisia in the spring of 1914 – the journey is destined to become the centrepiece of the exhibition owing to the representational nature of the works planned for display. Klee’s paintings will be accompanied by written documents and photographs – not to mention works by Klee’s two travelling companions, August Macke and Louis Moilliet – giving fascinating insights into the impact of Arabic and Islamic culture on the trio. The exhibition In Search of the Orient. From Bellini to Klee offers a unique opportunity to view Klee’s works in dialogue with paintings and art-historical exhibits from the Middle Ages to the 20th century.

Video works by Hala Elkoussy and Hatice Güleryüz render partly documentary, partly subjective and poetic portraits of the town of Cairo and Istanbul. The block of flats painted in green, which Ergin Cavusoglu presents in the video production titled “Empire After Andy Warhol”, could also be found in Berne, if there were not the small minaret on the roof, from which the muezzin calls at dusk. Commissioned by the Zentrum Paul Klee, the Turkish artist Halil Altindere well-known from documenta 12 created the work titled “Mirage”, and in this synchro-montage he themes the global asset of water with pictures from the driest region in Turkey located in the south east of the country which is to be flood as a consequence of a dam construction. Amal Kenawy puts into action her drawings, which develop more and more into a nightmare, in tense oppressive cartoon films, such as in the work titled “The purple artificial forest”. Works by the Atlas Group from Lebanon present fictitious historic events in such a way that they are read as facts. In this exhibition, the works by the Swiss artists, such as San Keller, Chalet 5, Davide Cascio and Michael von Graffenried, who had been to Cairo as artist-in-residence, are also considered art from the Middle East.
The exhibition, which takes place not only between "dream and reality", but also plumbs the limits of intimacy and publicity, comprises also everyday objects from the Orient of the 20th century. And finally, the exhibition architecture opens out into a courtyard, in which ephemeral, "transitory" art is shown, such as performances, concerts or recitals.

Den Kern der Sammlung bildet die Hinterlassenschaft der Museumsstifterin Dora Neuhaus (1889-1975). Seit 20 Jahren wird nun die Sammlung regelmässig mit Ankäufen, Geschenken und Dauerleihgaben bereichert. Sie gibt einen repräsentativen Überblick über das regionale Kunstschaffen vom 17. bis zur Mitte des 20. Jahrhunderts.

Diese Ausstellung vermittelt einen kleinen Überblick über das regionale Kunstschaffen und illustriert die Sammeltätigkeit des Museum Neuhaus. Der Bielersee und die benachbarte Juralandschaft haben zahlreiche Künstler fasziniert, die in ihren Werken ihre jeweiligen Empfindungen und Interpretationen, je nach dem künstlerischen Geschmack der Epoche, wiedergeben. Die Landschaftsdarstellungen werden in der Rotonde durch eine Reihe von Porträts ergänzt. Die Mehrzahl der ausgestellten Werke stammen aus der Sammlung des Museum Neuhaus, welche durch ein paar Werke von Partner-Institutionen (Stiftung Sammlung Robert, Kunstsammlung Stadt Biel, Kunstverein Biel) komplettiert werden.

Diese Ausstellung ist auch ein Zeichen des Dankes an die verschiedenen Donatoren, ohne deren Unterstützung unsere Sammlung nicht in diesem Umfang hätte erweitert werden können. Ein besonderer Dank geht dabei an den Verein Freunde des Museums Neuhaus, der unsere Sammeltätigkeit regelmässig und massgeblich unterstützt.

Die Ausstellung im museum franz gertsch basiert auf dem Prinzip der „artist’s choice“. Der Schweizer Künstler Claudio Moser (*1959) hat eine persönliche Auswahl getroffen und lässt den Besucher an seinem eigenen Blick auf die Sammlung Nationale Suisse teilhaben. Geführt von Mosers assoziativen, erinnernden und visionären Texten lässt sich der Besucher auf eine träumerische Entdeckungsreise durch die verschiedenen Räume ein. Dieser intuitive, synästhetische Zugang erlaubt das Erspüren der verschiedenartigen Werke, ein sich Hineinfühlen und Mitschwingen. Bezüge zeigen sich zwischen den Gemälden, Zeichnungen und Objekten, feine Verbindungslinien werden deutlich und leiten von einem Kunstwerk zum anderen. Zwischengelandet im museum franz gertsch ergibt sich für den Besucher eine einzigartige und temporär begrenzte Möglichkeit, mit den Werken aus der Sammlung Nationale Suisse in einen ästhetischen und emotionalen Dialog zu treten.

Zu Beginn des Ausstellungsrundgangs begegnet dem Besucher im unteren Foyer die Rakete von Roman Signer (*1938), sowie Werke von John M Armleder (*1948) und Luc Mattenberger (*1980). Raum 2 wird dominiert von Meret Oppenheims (1913–1985) Le bouclier du chef (1965), ergänzt durch einen Granitkopf Remo Rossis (1909–1982). Diesen Werken werden weitere Arbeiten zugeordnet, wie beispielsweise Miriam Cahns (*1949) tier 23.3.1995 (1995), die sich durch feine Schwingungen auszeichnen, die „die Nerven zum Singen bringen“, und zwischen Abstraktion und Figuration changieren. In Raum 3 bestimmt Walter Moeschlins (1902–1961) mystische Position das Konzept. „Au bout du monde et la terre qui tremble“ lässt sich hier als Leitsatz formulieren. Im letzten Ausstellungsraum mit dem Thema „space“ ist eine Plastik das Hauptwerk, die über dreieinhalb Meter hohe Bronzearbeit Big Tongue (1997) von Not Vital (*1948).

Die beiden eigens für die Ausstellung im museum franz gertsch entstandenen Arbeiten haben eigene Räumlichkeiten erhalten. Im Kabinett hat Karim Noureldin die ortsspezifische Zeichnungsinstallation Bel-Air eingerichtet, während im Museumsgarten Luc Mattenbergers neuestes Objekt The Ram zu bestaunen ist.

Am Sonntag, 30. November 2008, um 11 Uhr führt Sie Claudio Moser persönlich durch die Ausstellung.

A l'occasion de l'exposition, une importante publication paraît aux éditions Verlag für Moderne Kunst Nürnberg. Elle comprend des textes de Hubertus von Amelunxen, Dolores Denaro et Beatrix Ruf ainsi qu'un catalogue des oeuvres et installations de Hannes Brunner.

Die aus Bosnien stammende und in Düsseldorf lebende Künstlerin Danica Dakic (*1962) widmet sich in ihren multimedialen Installationen sozialen und politischen Themen. Speziell fürs Kunsthaus Langenthal entwickelte die Künstlerin einen neuen Werkzyklus, der während längeren Aufenthalten in Mexiko-Stadt entstand. Diese Stadt mit ihren kulturellen Überlagerungen bot ihr Gelegenheit für eine intensive Auseinandersetzung mit Geschichte, Macht, Verletzlichkeit und Widerstand.