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   MUSEEN - STIFTUNGEN   /  ZÜRICH   



  AUSSTELLUNGEN - EXPOSITIONS - EXHIBITIONS  

migros museum für gegenwartskunst / Zürich   Exhibition : February 21, 2009 until May 3, 2009

Josephine Meckseper
Limmatstrasse 270 - 8005 Zürich
Tel +41 44 277 20 50 / Fax +41 44 277 62 86
Opening times and vernissage: view the Internet site of the Museum

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migros museum für gegenwartskunst
In her photography, videos and installations Josephine Meckseper (born Lilienthal, 1964, lives and works in New York) engages with the interaction between politics and glamour. Thus, in her works, images of political activism – whether photographs of demonstrations or newspaper cuttings – set against sparkling consumer goods and advertising motifs evoke a paradoxical effect. On the one hand the pop-political vocabulary of forms appears absurd in its opposing ideological effect, on the other the artist discloses references by interpolating them seamlessly in a decoratively elegant looking display. Meckseper has pursued the capitalist-critique approach of recent years with subject areas agitating around the Iraq war and the oil industry with all their inherent economic and socio-political implications, in particular regarding the automobile industry. The exhibition in the migros museum für gegenwartskunst is to display a new series of works developed from this context. Hence in the Ten High installation (2007) numerous silver shop display dummies converge on a mirror smooth platform holding in their hands objects such as signs, bearing anti-war slogans like “No War in Iran” or the notorious recession signal “Going Out of Business / Sale”, a whisky bottle or a bible and other classical American “icons”. Meckseper’s object arrangements recall the window displays of department stores and expensive boutiques, re-contextualising the exhibited objects: the shibboleths are ascribed a new significance – from now on a consumerist lifestyle posture.
migros museum für gegenwartskunst / Zürich   Exhibition : May 16, 2009 until August 16, 2009

Karla Black / Christoph Ruckhäberle
Limmatstrasse 270 - 8005 Zürich
Tel +41 44 277 20 50 / Fax +41 44 277 62 86
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migros museum für gegenwartskunst
Plaster powder and pigments, vaseline and materials of obvious feminine connotation such as face powder, lipstick and nail varnish form the raw materials of artist Karla Black (born Alexandria, 1972, lives and works in Glasgow). The ephemeral works – some featuring transparent cellophane layers hanging in a sculptural arrangement from the ceiling, others being fragile floor works of wafer-thin layers of powder on paper – do not just draw on references to Minimal Art and Concept Art of the 1960s and 1970s but through the process-oriented and performative handling of cultural-psychologically significant materials Black simultaneously extends the classical sculptural concept. She creates not only an opposing model to the brute effectiveness of Minimal Art but through her use of instable and simple substances she connects to the anti-form, begun, for instance, by Robert Morris’s use of felt or Eva Hesse’s deploying of latex, and formulates her own answers to today’s changed social conditions.

The image world of the painter Christoph Ruckhäberle (born Pfaffenhofen, 1972, lives and works in Leipzig) who had already studied cartoon film making at the California Institute of the Arts before his studies at the Leipziger Hochschule für Grafik und Buchkunst, is peopled by silent figures, enfeebled young people of melancholy mood. His paintings recall the fin-de-siècle ennui not only in terms of content – their mode of painting with a cancelled out dynamic is also analogous of that period. The attitude of the figures is broken through by Ruckhäberle, not only by the skewed visual angle or other perspectival inconsistencies, but also through surrealistic borrowings and the elaboration of rhythmic patterned surfaces. In the large scale paintings Ruckhäberle’s narration and abstraction clashes persistently anew creating a theatricality reminiscent of expressionist woodcuts.

migros museum für gegenwartskunst / Zürich   Exhibition : August 29, 2009 until November 8, 2009

Deterioration, they said - Shana Moulton / Paper Rad
Ryan Trecartin
Limmatstrasse 270 - 8005 Zürich
Tel +41 44 277 20 50 / Fax +41 44 277 62 86
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migros museum für gegenwartskunst
The exhibition joins three individual projects by younger generation American artists, who all deal with video aesthetics recalling the 1980s and early 1990s in their works, under one title. In their excessively colourful visual spaces they deal with a culture of excess and trash, releasing a veritable deluge of images. In the tradition of experimental film the three investigate positions for the possibility of unconventional narrative paradigms and the disintegration of identity images – in Shana Moulton’s and Ryan Trecartin’s works the artists themselves often appear. In the process questions are persistently posed at a “truth”, or its deconstruction, in the face of the overloaded visual world, and on the observer’s own normalised taste which is also under scrutiny.

Applying humour in her performances and videos Shana Moulton (born California, 1976, lives and works in California) investigates the interaction of consumption, commercialised new-age philosophies and high cultural art forms such as art nouveau painter Gustav Klimt and the later works of Georgia O’Keefe created in New Mexico – a persistent “migration of forms”, an oscillating of forms between high and low.

The art collective Paper Rad established as a multi-media whole enterprise in 2000 by Jessica Ciocci (born 1976), Jacob Ciocci (born 1977) and Benjamin Jones (born 1977) works in the most varying of media such as video, drawing, wall painting and various lines including fashion, art and photography. Live action film, tape-recorded material from TV, self-drawn comics as well as obsolete technologies of consumer and youth culture converge on one another in an entire spatial staging.

Ryan Trecartin (born Webster, Texas, 1981, lives and works in Philadelphia) creates in his videos, dream-like narratives, which persistently break up classic narrative paradigms by queer role-plays of a Jack Smith, low-tech video manipulation, fast cutting and a spill-over of language. Alongside family members and friends the artist himself takes up numerous roles thus extending the films with a performance element.

migros museum für gegenwartskunst / Zürich   Exhibition : November 1, 2009 until December 31, 2009

La poupée de cire, la poupée de son
a short history about animation film
Limmatstrasse 270 - 8005 Zürich
Tel +41 44 277 20 50 / Fax +41 44 277 62 86
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migros museum für gegenwartskunst
An exhibition project stretching over several evenings in November and December 2009: A short history about animation film - from Norstein to Pylypchuk
The interest in the puppet – be it motivated by questions concerning the construction of the body with respect to gene technology or by current TV war pictures – and its implementation in contemporary art persistently increased since the 1990s and continues so to this day. Art theoretician Hal Forster regards the use of the puppet in an artistic context as a resurrection or “recurrence of the repressed” – a return to the trauma of the World Wars or the knowledge emanating from the psychoanalysis of the 1920s such as the constitution of the subject or the death drive. The animation of puppets, that is to say the filmic staging of synthetic bodies is the object of this project. Animated films are amongst others films in which drawings or objects come “alive” by constructing movement through single frame recording of the drawings and objects. The story of these animated films begins in the 1950s with representatives of Soviet puppet films such as Jiøí Trnka and Yuri Norstein reaching up to the present where this art film still exists in various forms – the project traces the development from the beginning to the present day.
migros museum für gegenwartskunst / Zürich   Exhibition : November 21, 2009 until January 31, 2010

Tatiana Trouvé
Limmatstrasse 270 - 8005 Zürich
Tel +41 44 277 20 50 / Fax +41 44 277 62 86
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migros museum für gegenwartskunst
Tatjana Trouvé (born Cosenza, 1968, lives and works in Paris) works on spatial productions or metal snake-like objects caught in movement thus appearing strangely solidified, similar to a frozen situation. Her spatial productions frequently use the parameters of “inner” and “outer” working with the principle of eversion. Psychic spaces reversed to the outside and become uncanny, materialised interior spaces. Trouvé titles most of her works with the Dutch term “Polder”. This term describes a terrain reclaimed by dyking, a consolidation of land surface which previously existed subsurface made visible by the intervention of technology. This newly gained territory remains persistently under threat of being flooded over again. Thus Trouvé’s works are analogous to a visualisation of the “unconscious” constantly endangered by the insecurity of shock conditions. As a consequence her “mental landscapes” circle, module-like around subjects such as living space, memory, architecture, the construction of reality. Her drawings too can be seen in this context: at first glance the drawings appear to be classical perspectival architectural sketches, but when one examines them more precisely the fixing of the building lines continually breaks down and its interior architecture often remains equivocal.
Kunsthaus Zürich   /  Zürich   Ausstellung : 13. Februar – 3. Mai 2009

Hot Spots
Rio de Janeiro / Milano – Torino / Los Angeles 1956 – 1969
Heimplatz 1 - 8032 Zurich
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Die interessanten Strömungen in der Kunst entstehen nicht immer nur in Weltmetropolen wie Paris, London oder New York. Gerade in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts kamen entscheidende Impulse oft aus peripheren Zentren wie z.B. Rio de Janeiro, Los Angeles oder Mailand und Turin. Die Ausstellung zeigt auf, wie von Mitte der 1950er bis Ende der 1960er Jahre diese Städte zu Brennpunkten und Ausgangspunkten weitreichender künstlerischer Entwicklungen wurden. In Rio de Janeiro entstand im Klima des Optimismus in den späten 1950er Jahren eine moderne, postkoloniale kulturelle Identität, die in der Architektur Oscar Niemeyers, in Bossa Nova und Cinema Novo, aber auch in einer neuen, geometrisch abstrakten Formensprache in Malerei, Skulptur und Design ihren Ausdruck fand.
In Mailand und Turin wurde von Lucio Fontana, Piero Manzoni und dann von den Künstlern der Arte Povera (Mario Merz, Michelangelo Pistoletto u.a.m.) ein neuer Begriff des Kunstwerks und der künstlerischen Kreativität experimentell erprobt. Die Malerei, bei der Farbe und Gefühlsausdruck dominierten, wurde abgelöst vom Interesse an den sprachlichen, materiellen, formalen und sozialen Bedeutungsfeldern künstlerischer Statements.
Die Szene in Los Angeles schwankte in den 1960er Jahren zwischen utopischen Entwürfen und einer kritischen Untersuchung der populären Kultur. So verfolgten James Turrell oder Robert Irwin, inspiriert vom Licht und von der Landschaft der Pazifikküste und der Wüste, eine Kunst des Immateriellen und der Befreiung von Körperlichkeit. Andere dagegen, etwa Ed Ruscha oder Billy Al Bengston, nahmen den Körperkult, Autokult, Starkult etc. Kaliforniens beim Wort und begannen, mit dessen Zeichenwelten zu spielen.
Die Ausstellung vereinigt Werke von ca. 40 Künstlern, darunter Lygia Clark, Hélio Oiticica, Ivan Serpa, Lucio Fontana, Piero Manzoni, Michelangelo Pistoletto, Giulio Paolini, John Baldessari, David Hockney, Dennis Hopper, Edward Kienholz und viele andere mehr.
Kunsthaus Zürich   /  Zürich   Ausstellung : 27. Februar – 24. Mai 2009

Giacometti, der Ägypter
Heimplatz 1 - 8032 Zurich
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Meisterwerke aus dem Ägyptischen Museum Berlin – Büsten von Echnathon und Nofrete, der Würfelhocker des Senemuth, der «Grüne Kopf» u.a.m. – treten in einen direkten Dialog mit Skulpturen von Alberto Giacometti.
Zutiefst war er von dieser Kunst geprägt: in der Konzentration auf das Menschenbild in wenigen elementaren Typen, im Verhältnis von Figur und Raum, in der zugrunde liegenden künstlerischen Intention, dem Individuum ewige Gegenwart zu verleihen.
Von der Jugend bis ins Alter eignete er sich diese Werke kopierend an. Zahlreiche faszinierende Blätter ermöglichen es, sich in diese Auseinandersetzung über Jahrtausende zu vertiefen und so die Kunst Giacomettis ebenso wie die des Alten Ägypten neu zu sehen.
Kunsthaus Zürich   /  Zürich   Ausstellung : 20. März – 14. Juni 2009

Mark Manders
Heimplatz 1 - 8032 Zurich
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Ausgehend von der Arbeit «Self-Portrait as a Building» (1986) entwickelt Mark Manders seit rund 20 Jahren installativ-skulpturale Arbeiten, die als Fragmente eines Selbstporträts in Form imaginärer Räume angelegt sind. Der 1968 geborene Künstler übersetzt darin seine eigene Existenz und biografische Entwicklung in wortlose, assoziative Erinnerungsräume, reflektiert gleichzeitig aber auch die Idee eines Selbstporträts in einem viel abstrakteren Sinne – d.h., es geht um Mark Manders, aber auch nicht, und die Konstruktion dieser Identität ist persönlich und universell zugleich. Mark Manders hat sich in den vergangenen Jahren mit Auftritten an internationalen Ausstellungen eine der profiliertesten und eigenständigsten Positionen innerhalb internationaler skulpturaler Praxis erarbeitet. Das Kunsthaus Zürich zeigt in Zusammenarbeit mit dem Kunstverein Hannover, der Kunsthalle Bergen und dem S.M.A.K. in Gent die erste Einzelausstellung dieses holländischen Künstlers in der Schweiz.
Kunsthaus Zürich   /  Zürich   Ausstellung : 24. April – 4. Oktober 2009

Albert von Keller
Salons, Séancen, Secession
Heimplatz 1 - 8032 Zurich
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Albert von Keller (1844 –1920), ein Münchner Maler mit Schweizer Wurzeln, nahm häufig am Salon in Paris teil, trat 1886 der Münchner Psychologischen Gesellschaft bei und war 1892 Mitbegründer der Münchner Secession. Kellers Kunst liefert ein schillerndes Sittengemälde von Gründerzeit und Belle Époque. Der verführerische Habitus eleganter Damenwelten ist sensibel registriert, okkulten Phänomenen wird Bildlichkeit verliehen. Galten Kellers Gemälde zur Entstehungszeit als modern, bieten sie dem heutigen Publikum den Hintergrund, von dem sich die Revolutionäre der Klassischen Moderne abhoben. Den Höhepunkt seines Ruhmes erlebte der Maler in den Jahren vor dem Ersten Weltkrieg: Die Kritik konstatierte eine eigentliche «Keller-Ekstase». 2006 gelangte die umfassende Keller-Sammlung von Oskar A. Müller ins Kunsthaus. Eine repräsentative Auswahl wird nun gezeigt, punktuell durch Leihgaben ergänzt.
Kunsthaus Zürich   /  Zürich   Ausstellung : 3. Juni – 30. August 2009

Katharina Fritsch
Heimplatz 1 - 8032 Zurich
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Katharina Fritsch (*1956) ist eine der bedeutendsten Künstlerinnen der Gegenwart. Aufgrund ihrer bildhaften Prägnanz sind Werke wie etwa die hypnotische «Tischgesellschaft», 1988, der «Rattenkönig», 1991–1993, oder «Elefant», 1987, fest im Gedächtnis des Kunstpublikums verankert. Die sich schlagartig einprägenden Bilder bleiben letztlich immer auch unfassbar. Sie sind in unserem kollektiven Leben verankert und umkreisen als Kunstwerke eine Art allgemeines mentales Archiv, in welchem die archaischen Vorstellungen, Wünsche und Ängste des Menschen enthalten sind.
Die Ausstellung im Kunsthaus Zürich wird von den frühen bis hin zu den neuen und neusten grossen Werkgruppen die Kohärenz und Tiefe der Themen und Motive aufzeigen.
Die Machart, die von jeglicher persönlicher Handschrift getilgte Oberfläche der Skulpturen und die immateriell erscheinenden leuchtenden, in Siebdruck gefertigten neuen Bilder offenbaren Fritschs Schulung an der Strenge der Minimal Art sowie das Interesse für Künstlichkeit und überindividuelle kulturelle Prägungen. Ihre jüngsten Werke erschliessen neue künstlerische Bereiche, darunter auch den Eros aus dem Blickwinkel der Frau, und unterstreichen gleichzeitig die eindrückliche Reife ihres Gesamtwerks. Damit begibt sie sich als Frau schliesslich auch souverän und mit subtiler Ironie in ein männlich besetztes Terrain der Kunstgeschichte. Assoziationen zu Rokoko und Populärkultur zielen auf das schwierige Thema der Leichtigkeit. So geht das grosse Ensemble «Frau mit Hund», 2004, das aus einer rosa Muschelfrau, 32 an der Decke schwebenden Schirmen und vergrösserten Postkartenbildern besteht, die komplexe Aura einer Stadt wie Paris an.
Kunsthaus Zürich   /  Zürich   Ausstellung : 28. August – 8. November 2009

Mircea Cantor
Heimplatz 1 - 8032 Zurich
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Mircea Cantor ist 1977 in Rumänien geboren, lebt und arbeitet inzwischen in Paris. Er schleicht sich mit seinen Werken in unseren Alltag ein und bringt gewohnte Wahrnehmungsmuster und Erwartungen mit feinen, zum Teil fast unsichtbaren Gesten ins Wanken. Vermeintliche Sicherheiten werden hinterfragt und klar definierbare Aussagen absichtlich vermieden. Cantor inszeniert eine sich ständig verändernde Realität, die sich einer klaren Verortung absichtlich immer wieder entzieht und in der das Thema Unsicherheit eine entscheidende Rolle spielt. Seine Arbeit kreist um gesellschaftspolitische und ökonomische Fragestellungen, verbindet die politischen Inhalte jedoch mit einer äusserst poetischen Formensprache. Je nach Kontext verwendet Cantor ganz unterschiedliche Medien: von Video, Foto über Objekte und Installationen bis hin zu eher ephemeren Erscheinungsformen wie z.B. Aktionen oder Zeitungsinseraten.
Kunsthaus Zürich   /  Zürich   Ausstellung : 2. Oktober 2009 – 17. Januar 2010

Georges Seurat
Figur im Raum
Heimplatz 1 - 8032 Zurich
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Georges Seurat (1859 –1891) war der bedeutendste Zeichner und Maler des Neoimpressionismus und bereits zu Lebzeiten ein geschätzter Künstler. Gleichaltrige Maler wie van Gogh oder Gauguin waren von seinen Farben und seiner Maltechnik fasziniert, und die Künstler am Bauhaus begeisterten sich für seine strengen Bildkompositionen. Kein Bildthema vermag so viel über Seurats Kunst zu erzählen wie die Figur in der Landschaft.
Verfolgt man diesen Aspekt durch sein Schaffen, so werden seine einzigartige Vorgehensweise und seine technischen wie auch kompositorischen Innovationen exemplarisch deutlich. Bereits die ersten Akademiestudien zeigen die Auseinandersetzung mit der menschlichen Gestalt, und mit seiner intensiven zeichnerischen Arbeit sucht und findet er ein Gleichgewicht zwischen Gegenständlichkeit und Autonomie der künstlerischen Mittel. Die Hell-Dunkel-Kontraste umspielen und akzentuieren die Figuren und verleihen ihnen eine unwirkliche Präsenz – Seurats Zeichnungen sind kleine Meisterwerke der atmosphärischen Verdichtung. Auch in den Gemälden nimmt die Darstellung von Personen eine zentrale Stellung ein. Anhand der Figurenbilder wird eine Schnittstelle in Seurats Schaffen aufgezeigt: Er orientierte sich an Gruppierungen wie der École de Barbizon, an Epochen wie der Renaissance oder an Künstlerkollegen wie Puvis de Chavannes, setzte die Sujets jedoch in einer neuen Maltechnik und in innovativen Kompositionen um.
Dieses avantgardistische Moment wird in den späteren Gemälden noch verstärkt, wenn Formen und Sujets zuweilen im selben Gemälde repetiert oder variiert werden und Bildraum und Figuren zunehmend geometrisiert erscheinen. Seurat-Ausstellungen sind selten, nicht nur weil sich seine Werke heute in aller Welt befinden, sondern weil die fragilen Gemälde und Papierarbeiten nur selten ausgeliehen werden. Wir freuen uns, den Künstler in einer stringenten Auswahl in Zürich und anschliessend in Frankfurt am Main zeigen zu können.
Graphische Sammlung der ETH   /  Zürich   Exhibition : 1. Juli bis 28. August 2009

Bruno Murer
Feldbücher und Holzschnitte
Rämistrasse 101 -- CH-8092 Zürich
Telefon +41 1 632 40 46 -- Fax +41 1 632 11 68

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Bruno Murer (*1949) erlebt die eigene künstlerische Betätigung als inneren Drang und Notwendigkeit. Die Wahrnehmung - besonders das Sehen - ist Bruno Murers Gegenstand der künstlerischen Auseinandersetzung. Entstanden sind Werke, die, ausgehend von den Entwicklungen rund um die expressive Figuration in den frühen 80er Jahren, inzwischen zu neuen, komplexen Sehweisen geführt haben. Seine ab 1980 kontinuierlich entstandene Serie von heute über hundert "Feldbüchern" ermöglicht es, den konsequenten Weg in jedem seiner Schritte zu verfolgen. Das Spektrum der Serie reicht von Skizzen im Notizbuch, das Murer in der Westentasche auf seinen Streifzügen begleitete, bis zu den heutigen Zeichen- und Malerbüchern, deren Abmessungen und Gewicht sich vervielfacht haben. Es sind existenzielle Erlebnisse, die Bruno Murer so eindringlich und in verschiedenen Zusammenhängen zu artikulieren sucht. Sie führen den Betrachter in die Gotthardstollen der NEAT, nehmen ihn mit in die Natur und ins Gebirge und zeigen ihm die Befindlichkeit von New York in den Tagen nach 9/11. Längst sind seine Feldbücher zu einem künstlerischen Dokumentationsprojekt parallel zum malerischen Werk und den bildhauerischen Arbeiten geworden. In ihnen werden die Ideen im Gärstadium greifbar.

Ergänzend zu den Feldbüchern zeigt die Ausstellung Arbeiten Murers im Medium des Holzschnitts. Seine Eindrücke auf einem Flug nach Los Angeles schnitt er in grosse Platten und druckte diese auf braunes Packpapier. Entstanden sind unter dem Titel "Flug über den Atlantik" zwei Riesenholzschnitte in Gestalt von Leporellos, welche die herkömmlichen Formate sprengen.

Vernissage: Dienstag, 30. Juni 2009, 18 Uhr

Kontakt für diese Ausstellung: Michael Matile : matile@gs.ethz.ch

Museum Rietberg /  Zürich   Ausstellung : 9. April bis 12. Juli 2009

Ping (1733–1799)
Visionen eines Exzentrikers
Museum Rietberg
Gablerstrasse 15 - 8002 Zürich
Tel 01 206 31 31  /  Fax 01 206 31 32

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Luo Pings Leben beginnt elend. Sein Vater stirbt, als er ein Jahr alt ist, seine Mutter kurz danach. Der Waise gilt allerdings schon in jungen Jahren als Dichtertalent und erhält Zugang zu den exklusiven Künstlerkreisen seiner Heimatstadt Yangzhou. Mit neunzehn vermählt er sich – eine Liebesheirat mit der Dichterin und Malerin Fang Wanyi (1732–1779). Auch ihre Tochter und ihre beiden Söhne werden später Maler, und Darstellungen von Pflaumenblüten werden zum Markenzeichen dieser Künstlerfamilie.

Fünf Jahre nach der Hochzeit begegnet Luo dem Mann, der sein Leben verändert. Es ist der landesweit berühmte Dichter, Künstler und Lebemann Jin Nong (1687–1763). Der vierschrötige, 70-jährige Meister fasst Zuneigung zum jungen Talent. Dieser lässt sich von der emotionalen und expressiven Kunst seines Mentors inspirieren. Luo malt auch Bilder für den Alten, der diese mit seinem Namen signiert und verkauft. Nach sechs Jahren intensiver Zusammenarbeit stirbt Jin Nong, und Luo beerdigt ihn voller Pietät, als wäre er sein Vater gewesen.

In der zweiten Lebenshälfte besucht Luo oft die Hauptstadt Beijing und sorgt dort in der mondänen Kulturszene für Furore. Auf eine lange Bildrolle, die er allen zeigt, hat er Geister gemalt und behauptet, solche Wesen selbst gesehen zu haben: "Einige entblössen Zähne wie riesengrosse Melonenkerne und haben Finger dick wie Schenkel." Luo stirbt hochangesehen im Alter von 66. Zeit seines Lebens sah er sich als genügsamen Buddhisten und zeichnete mit dem Namen "Der Mönch vom Blumentempel".

Die zwei bedeutendsten Museen in China, das Palastmuseum in Beijing und das Museum Shanghai, sowie das Metropolitan Museum of Art in New York haben sich unter der Regie des Museums Rietberg zusammengeschlossen, das Werk dieses herausragenden chinesischen Künstlers des 18. Jahrhunderts erstmals umfassend zu würdigen. Im Herbst 2009 wird die Ausstellung auch im Metropolitan Museum of Art in New York gezeigt.

Museum Rietberg /  Zürich   Ausstellung : 17. Mai bis 18. Oktober 2009

Spiel der Masken
Schweizer Fastnacht – Indische Rituale
Wenn Masken tanzen – Bronzekunst aus Südindien
Museum Rietberg
Gablerstrasse 15 - 8002 Zürich
Tel 01 206 31 31  /  Fax 01 206 31 32

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Präsentation von zwei Maskensammlungen, wie sie unterschiedlicher nicht sein könnten:

Das Museum Rietberg ist berühmt für seine qualitätsvollen Masken aus allen Weltgegenden. Unter dem Titel «Spiel der Masken» werden nun zwei Maskensammlungen der Öffentlichkeit präsentiert: Ritualmasken aus Südindien und Fastnachtsmasken aus der Schweiz.

Letztere gehören zum ältesten Sammlungsbestand des Museums. Die Schweizer Masken wurden vor mehr als 40 Jahren letztmals als Ganzes ausgestellt. Jetzt sind sie als fester Bestandteil in der Dauerausstellung zu bestaunen. Die indischen Ritualmasken fanden hingegen erst vor kurzem Eingang ins Museum. Anlässlich einer Sonderausstellung werden sie dem Publikum erstmals vorgestellt.

Museum Rietberg Park-Villa Rieter /  Zürich   Ausstellung : 5. Mai 2009 bis 10. Januar 2010

Rajasthan
Könige und Krieger
Wenn Masken tanzen – Bronzekunst aus Südindien
Museum Rietberg
Gablerstrasse 15 - 8002 Zürich
Tel 01 206 31 31  /  Fax 01 206 31 32

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Rajasthan, das «Land der Könige», befindet sich im nordwest­lichen Teil Indiens, zwischen Delhi und dem heutigen Pakistan. Ursprünglich erstreckte sich das Einflussgebiet der Königssöhne (Kriegerkaste der Rajputen) auf ein weit grösseres Gebiet. Mit dem Einfall der muslimischen Mogul-Herrscher sahen sich die hinduistischen Fürsten jedoch gezwungen, Allianzen mit der neuen Grossmacht einzugehen.

Die Ateliers an den Fürstenhöfen in Bundi, Kota, Udaipur, Jaipur und Jodhpur wurden mit stilistischen Innovationen der Malerei am Mogul-Hof konfrontiert. Die Künstler schufen davon beeinflusst meist religiöse Bildserien, welche ihren lokalen Malereistil mit dem naturalistischeren der Mogulen kombinierte.

Fotomuseum Winterthur / Winterthur   Exhibition : 30 May to 23 August 2009 (Main Gallery)

WALKER EVANS
Retrospective
Fotomuseum Winterthur
Grüzenstrasse 44 + 45 - CH-8400 Winterthur (Zürich)
Tel +41 52 233 60 86 - Infoline +41 52 234 10 34
Fax +41 52 233 60 97
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The Metropolitan Museum of Art, New YorkFollowing the Eugène Atget retrospective last year (and earlier exhibitions with Charles Sheeler, Edward Weston, Karl Blossfeldt, August Sander, Albert Renger-Patzsch, Dorothea Lange, Bill Brandt, and others), the Fotomuseum Winterthur will continue its series of important classics of photo history (especially of the crucial documentarists) with a presentation of the work of Walker Evans (1903–1975) in the summer of 2009. Evans was one of the most influential photographers of the twentieth century. His lucid, detailed large format photographs of American life—above all of the poverty of rural life during the Great Depression—made photographic history and influenced legions of photographers. The exhibition will present many important areas of the work of Walker Evans: early street photography from the 1920s, his moving documentation of the economic crisis of the 1930s, photographs of landscape and architecture, subway portraits, shop fronts, and billboards, etc. This exhibition of photographs by Walker Evans has been conceived by Jeff Rosenheim, curator at the Metropolitan Museum of Art in New York and renowned expert on the work of Walker Evans. It is being produced in collaboration with the Mapfre Foundation in Madrid.
Fotomuseum Winterthur / Winterthur   Exhibition : 5 September to 15 November 2009 (Main Gallery and Gallery)

DARK SIDE 2
Photographic Power and Violence, Illness, and Death Photographed
Fotomuseum Winterthur
Grüzenstrasse 44 + 45 - CH-8400 Winterthur (Zürich)
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Images of the night sky lit up by bombs, rockets, and flak have repeatedly fueled discussions since the Second World War: how do we deal with these pictures, how do we react when we see photographs of horrific scenarios and yet are unable to resist the fascination of these images? Painful photographs and photographs of painful events are as upsetting as they are big business. They are part of social exchange, are used and consumed in the media, crop up in works of art, in advertising and fashion. One could not conceive of the visual landscape of the last fifty years without these images of terror. Why is it that people are transfixed by photographs of terror, horror, disease, and death? Do we look at these sights in order to strengthen our own moral fiber? How honest and ethical are the intentions of those who produce and distribute these images? How honest are our intentions as observers? Darkside 2 investigates these issues and in so doing demonstrates the power of photography and elaborates on the function of images of violence, disease and bodily decay. This exhibition forms the second part of Darkside, one year after Darkside 1—Photographic Desire and Sexuality Photographed.
Fotomuseum Winterthur / Winterthur   Exhibition : 24 October 2009, to 7 February 2010 (Collection)

TODAY AND YOUNG
Young European Photography
Fotomuseum Winterthur
Grüzenstrasse 44 + 45 - CH-8400 Winterthur (Zürich)
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Each year—in the context of Fotomuseum Winterthur’s annual Plat(t)forms—forty-two young European photo artists are invited to present their portfolios to the public and a selected team of experts, and it is on this basis that the Fotomuseum intends to realize an exhibition every three to four years to give insight into recent contemporary photographic production, focusing on emerging artists, new discoveries, and current positions within the discourse of contemporary art. Alongside award-winning works from Plat(t)form, the international group show will also contain other works by internationally recognized young photo artists. With this, FMW positions itself not only as a museum that knows how to care for and mediate the work of the present and the past at the highest level, but also as a lively, young forum for new directions. For many of the young photographers this may be their first chance to present their work on a larger stage. Two trends will become apparent in the present exhibition: one concentrates on highly theatrical, elaborately staged photographs, presented as perfect prints; the other prefers simple, direct, almost ordinary photographs of daily life. Main sponsor: UBS AG
Fotomuseum Winterthur / Winterthur   Exhibition : 28 November 2009, to 14 February 2010 (Main Gallery and Gallery)

GRACIELA ITURBIDE
Eyes to Fly with
Fotomuseum Winterthur
Grüzenstrasse 44 + 45 - CH-8400 Winterthur (Zürich)
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Graciela Iturbide (*1942) is the best-known contemporary photographer in Mexico. Her work has received numerous prizes, most recently the Hasselblad Award 2008, and can be found in museum collections all over the world. At the end of the sixties, she enrolled to study film at the National University in Mexico City. At the same time she also attended lectures by the leading photographer Manuel Álvarez Bravo, who soon made the young student his assistant and inspired her to take up photography. Her first important works appeared between 1979 and 1985. For many years she traveled repeatedly to Juchitán, a mythical site in the southern state of Oaxaca, the homeland of the Zapotecs. She lived within the community, in the company of the local women, and through them gained a unique insight into deeply rooted traditions and rites that she has captured in numerous unforgettable images. In her portraits and landscapes, Graciela Iturbide conjures up the world of the Zapotecs, a realm of myths and legends. And she is not afraid to face death with her camera, seeking greater knowledge of life through the inescapable mystery of death. This exhibition spans the entire œuvre of this extraordinary photographer. (Organized by Mapfre Foundation)
Fotostiftung Schweiz / Winterthur   Ausstellung : 30. Mai bis 11. Oktober 2009

Gotthard Schuh
Eine Art Verliebtheit
Fotostiftung Schweiz
Grüzenstrasse 45 - 8400 Winterthur
Tel. + 41(0)52 234 10 30
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Gotthard Schuh (1897–1969) zählt zu den herausragenden Fotografen des 20. Jahrhunderts. Er ist nicht nur ein Pionier des modernen Fotojournalismus, er hat auch einen persönlichen Stil gefunden, der dem «poetischen Realismus» zugerechnet werden kann. Schuh war sich bewusst, dass die fotografische Sicht auf die Welt immer subjektiv bleibt und dass der Fotograf vollkommen in einer bestimmten Situation aufgehen muss, um sie intuitiv zu erfassen. Vierzig Jahre nach Gotthard Schuhs Tod hat die Fotostiftung Schweiz den von ihr betreuten Nachlass des Fotografen neu gesichtet und aufgearbeitet. Die Retrospektive, die von einer umfangreichen Monografie begleitet wird, würdigt vor allem den subjektiven Blick, der seinen Bilderkosmos im Innersten zusammenhält – das, was er selbst als «eine Art Verliebtheit» bezeichnete
Fotostiftung Schweiz / Winterthur   Ausstellung : 24. Oktober 2009 bis 14. Februar 2010

Christian Vogt, Today I've been you
Fotostiftung Schweiz
Grüzenstrasse 45 - 8400 Winterthur
Tel. + 41(0)52 234 10 30
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Christian Vogt (geb. 1946) macht seit vierzig Jahren immer wieder mit aussergewöhnlichen Projekten auf sich aufmerksam. Neben konzeptuellen Arbeiten, in denen nicht selten Worte oder kurze Texte überraschende Bedeutungen hervorrufen, gehören die Darstellung von Zeit und Raum zu seinen zentralen Themen: Zeit, die sich an langsamen Veränderungen oder plötzlichen Ereignissen ablesen lässt, an Zufällen, für die Vogt ein spezielles Sensorium entwickelt hat. Und Innen- oder Aussenraum, der offen einsehbar ist und doch etwa durch einen feinen Nebelschleier oder den Detailreichtum quasi sich selbst verschliesst. Fotografie ist bei Vogt nie nur Abbild, sondern immer auch eine Frage nach dem, was sich an Bedeutung oder Geschichte hinter der Oberfläche verbirgt, eine Reflexion über die Subjektivität des fotografischen Blicks, im Bewusstsein, dass das eigentliche Bild erst in der Wahrnehmung des Betrachtes entsteht. In der Ausstellung «Today I've been you» werden Vogts «Photographic Notes», ein ab 1981 ge-führtes fotografisches Tagebuch, jüngeren grossformatigen Aufnahmen («Flaxen Diary», ab 2003; «Nebelbilder», 2003; «Bois du Roi», 2004) und seiner neusten Bild/Textarbeit gegenübergestellt: «You don't see it, if you don't know it .»
Museum für Gestaltung / Museum of Design - Galerie / Zürich   Ausstellung : 24.6. – 4.10.2009

Roboter
Von Motion zu Emotion?
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Ausstellungsstr. 60 - 8005 Zurich
Telé +41.43.446 67 67 Fax +41.43.446 45 67

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Roboter sind allgegenwärtig. Besonders durch die Verbreitung in den Medien und in der Film-industrie sind sie ein ebenso aktuelles wie brisantes Thema. Wissen und Vorstellungen über Roboter scheinen indessen von der Science-Fiction geprägt zu sein. Die Ausstellung untersucht einerseits, in welchem Verhältnis Realität und Fiktion heute stehen, andererseits beleuchtet sie die emotionale Wirkung von Robotern, welche sie aufgrund von formalen Merkmalen und funktionalen Fähigkeiten ausüben. Gezeigt wird, was alles unter Roboter zu verstehen ist, wie sie aussehen, wo sie eingesetzt werden und was sie in Zukunft leisten sollen. Dabei stellt sich die Frage, weshalb Roboter Akzeptanz oder Ablehnung erfahren und welche Eigenschaften das Verhältnis der Menschen zur Maschine bestimmen. Zu sehen sind rund 200 Exponate von historischen Automaten über Roboter im Haushalt, in der Industrie, Medizin und im Militär bis hin zu Spielzeugrobotern. Zahlreiche Objekte sind interaktiv oder werden in Bewegung präsentiert.
Museum für Gestaltung / Museum of Design - Halle / Zürich   Ausstellung : 30.8.2009 – 3.1.2010

Michel Comte
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Michel Comte zählt zu den gefragtesten Werbe-, Mode- und Societyfotografen der Gegenwart. Seine erste umfassende Ausstellung beleuchtet die Vielfältigkeit eines Werks, das die glamouröse Welt der Superstars und der Werbung ebenso zum Thema hat wie Reportagen aus den ärmsten Gegenden der Welt. Dabei sind die Arbeiten Comtes stets einer übergeordneten Ästhetik verpflichtet. Vom Modeschöpfer Karl Lagerfeld entdeckt, machte der 1954 geborene Zürcher eine kometenhafte Karriere und realisierte seit 1979 internationale Aufträge für Marken wie Ungaro, Dolce & Gabbana oder Nespresso. Heute führt der Autodidakt Studios in Los Angeles, Paris und New York. Unzählige bekannte Werbekampagnen bauen auf Comtes Bildern auf. Daneben fotografiert er seit Jahrzehnten Protagonisten aus Kunst, Film und Showgeschäft wie Sophia Loren, Tina Turner, George Clooney, Louise Bourgeois oder Carla Bruni. Neben den Fotografien werden Einblicke in die Entstehungsprozesse einer Bildwelt vermittelt, die zusehends unseren visuellen Alltag dominiert.
Museum für Gestaltung / Museum of Design - Galerie / Zürich   Ausstellung : 11.11.2009 – 14.2.2010

Formlose Möbel
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Seit den 1960er Jahren haben zeitgenössische Künstler durch die experimentelle, oft unförmig wirkende Verwendung verschiedenster Werkstoffe die tradierte Relation von Form und Material aufgebrochen und neu definiert. Die Ausstellung „Formlose Möbel“ zeigt erstmals, dass die Maxime „form follows material“ auch bei der Gestaltung von Sitzmöbeln zur Anwendung kam und kommt: Bis heute opponieren Designer spielerisch gegen die „Gute Form“ und die Vermarktung konformer Lebenswelten. Die Möbel zwischen Design und Skulptur standen in den 1960er Jahren für ein neues Gesellschaftsbewusstsein und nicht zuletzt für eine freiere politische Haltung, wie der „Sacco“ des Designertrios Gatti, Paulini und Teodoro oder Roger Deans „Sea Urchin“ veranschaulichen. Als Ausdruck eines neuen Lebensgefühls befreiten sie unter anderem vom Zwang der korrekten Sitzhaltung. Heute setzen sich Designer wie Ron Arad, Karim Rashid oder Tom Dixon ebenso experimentell wie einfallsreich mit Formlosigkeit auseinander. Eine Ausstellung des MAK, Wien.
Museum für Gestaltung / Museum of Design - Plakatraum / Zürich   Ausstellung : 3.4.2009 – 19.7.2009

Irma Boom
Book Design
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Limmatstr. 55 - 8005 Zurich
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Die niederländische Grafikdesignerin Irma Boom ist eine der bekanntesten Buchgestalterinnen der Gegenwart. Durch den Einsatz ungewöhnlicher Formate, Materialien, Farben, Strukturen und Typografie gibt sie dem Inhalt jeweils eine besondere Form und macht das Buch zu einem visuellen und haptischen Erlebnis. 1991 gründete sie ihr eigenes Büro in Amsterdam, zu ihren wichtigsten Klienten gehören das Rijksmuseum Amsterdam, der Prince Claus Fund, OMA / Rem Koolhaas, die Vereinten Nationen, Vitra International oder Zumtobel. Ihre Bücher wurden auf zahlreichen internationalen Ausstellungen gezeigt und sind auch in der Sammlung des Museum of Modern Art in New York vertreten. Irma Boom wurde unter anderem 2001 mit dem Gutenberg Preis für ihr Gesamtwerk ausgezeichnet. Im Zusammenhang mit dem von ihr konzipierten und gestalteten Buch «Every Thing Design» über die Sammlungen des Museum für Gestaltung Zürich präsentiert das Museum eine Ausstellung ihrer Arbeiten, die Einblick gibt in ihr weitgefächertes experimentelles Werk und seine besonderen Aspekte.
Museum für Gestaltung / Museum of Design - Plakatraum / Zürich   Ausstellung : 2.9.2009 – 10.1.2010

Help!
Soziale Appelle im Plakat
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Limmatstr. 55 - 8005 Zurich
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Das Plakat war aufgrund seiner gesellschaftlichen Wirksamkeit schon immer ideales Medium, um Appelle von globaler Brisanz und ethischer Dimension an die Bevölkerung zu richten. Die Ausstellung im Plakatraum präsentiert internationale Plakate seit 1980, die daran gemahnen, Verantwortung gegenüber der Menschheit und unserem Planeten wahrzunehmen. Während sich das im Eigenauftrag entstandene Autorenplakat der Aufklärung verpflichtet fühlt, zielen Plakate von Menschenrechts- und Umweltschutzorganisationen sowie Hilfswerken direkt auf die Aktion des Einzelnen ab. Aber auch Wirtschaftsunternehmen haben in den letzten Jahren soziales und ökologisches Engagement als Marketinginstrument entdeckt, um ihr Image zu pflegen. Die Ausstellung beleuchtet die verschiedenen visuellen Strategien und die rhetorische Vermittlung sozialer Botschaften im Plakat. Denn so unterschiedlich Motivation und Intention der Auftraggeber sind, so verschieden sind auch die Plakate in ihrer inhaltlichen und formalen Gestaltung.
Museum Bellerive  /  Zürich   Ausstellung : 10. Juli – 25. Oktober 2009

Porzellan
Weisses Gold
Museum Bellerive
Höschgasse 3 - 8008 Zürich
Tel. (01) 383 43 76

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Im 16. Jahrhundert gelangte ein Werkstoff nach Europa, welcher in vielerlei Hinsicht als unerhörte Kostbarkeit galt: Porzellan, nach neueren Forschungen bereits 1300 vor Christus gebrannt, war schon im Barock höchst begehrt, was dem Material die Bezeichnung „Weisses Gold“ einbrachte. Bis dahin aus China importiert, versuchte man sich im 18. Jahrhundert auch in Europa mit dessen Herstellung. Porzellan war ein Luxusgut, das man sich einiges kosten liess. Es änderte Ess- und Tafelkultur. Repräsentative Einzelwerke und Tafelservices entstanden in den Porzellanmanufakturen Meissen, Nymphenburg oder Herend. Diese sind heute noch tätig und sowohl an traditionellem wie zeitgenössischem Design interessiert. Die aussergewöhnliche Härte des Stoffes wird dieser Tage auch in Industrie und Medizin genutzt. Seine Transparenz fasziniert Gestalter und Künstler seit Jahrhunderten. Anhand traditionsreicher Namen, verblüffender Beispiele der Technik und einer aktuellen Design- und Gestaltungsszene ist zu sehen, dass Porzellan seine Magie nie verloren hat.
Museum Bellerive  /  Zürich   Ausstellung : 27.11.2009 – 4.4. 2010

Scherenschnitte - Kontur pur
Museum Bellerive
Höschgasse 3 - 8008 Zürich
Tel. (01) 383 43 76

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er, Keys to the Coop, Linolschnitt, 1997, Courtesy of Kara Walker und Sikkema Jenkins & Co. Die Psaligraphie, bekannt als Scherenschnitt, ist ein kunsthandwerkliches Verfahren, das durch den verbleibenden Umriss, die Ausschnitte oder beides ein Bild erzeugt. Als typisches Schweizer Kunsthandwerk wahrgenommen, verbindet man mit dem Scherenschnitt eine schwarz-weisse Reihe von Kühen, Tannen mit Chalets oder Bilder von Johann Jakob Hauswirth, dem Vater des hierzulande gepflegten Scherenschnitts. Seit über 100 Jahren fasziniert der Scherenschnitt auch immer wieder Kunstschaffende. Derzeit lässt sich in der internationalen Gegenwartskunst erneut ein wachsendes Interesse beobachten.Der Scherenschnitt erobert den dreidimensionalen Raum, neue Materialien werden getestet und Schnittstellen zu verschiedenen Herstellungsmethoden ausgelotet. Die 7. Schweizerische Scherenschnitt-Ausstellung zeigt zum ersten Mal die Wettbewerbsarbeiten des Vereins "Freunde des Scherenschnitts" in Zürich. Dabei wird der Scherenschnitt mit traditionellen und zeitgenössischen Positionen aus verschiedenen Blickrichtungen beleuchtet.