La peau des peintures

Les assemblages avaient été élaborés jusque là avec des structures et des surfaces ouvertes, ils commençaient maintenant à se retirer derrière une surface qui recouvrait le tout uniformément. Le blanc des peintures et des reliefs sur lesquels on n'avait pas encore tiré devait mener plus tard directement aux peintures et aux sculptures de femmes, de mariées, de têtes et finalement aux Nanas et leurs surfaces colorées. Le blanc du gypse et, dans les mariées par exemple, le blanc qui recouvrait les amas d'objets, donnait aux reliefs leur substance et leur volume. La peau blanche qui les voilait était l'image de l'intégrité et de la pureté. La destruction était toutefois une phase nécessaire, limitée dans le temps, symbolisant une attaque de la violence de la société autant que contre soi-même.

L'aspect d'intégrité virginale, qu'il est facile d'associer au blanc dans la culture occidentale, comme celui de la pureté, provenait non seulement de la couleur blanche mais aussi de la texture de surface des tableaux. Simultanément, le blanc pur des Tableaux Tirs, semblable à une peau douce, devenait porteur de sa propre destruction, la peinture qui s'étalait sur la surface lorsque l'on tirait dessus, coulait par-dessus le blanc, révélant et retenant les contrastes et traces les plus subtils: le relief blanc, qui semblait attendre en silence, se trouvait transformé en une structure parlante, image mouvante, surface lisible et stimulante.

Peut-être n'est-ce que lorsqu'il devint nécessaire de donner une forme homogène aux objets qu'une peau se développa sur les créations de Nik'i de Saint Phalle. La peau devait couvrir les tableaux pour qu'ils puissent être détruits à plusieurs reprises afin d'être fidèles à la vérité. Le sacrifice des tableaux en faisait des martyrs. en même temps, la victime s'identifiait avec l'auteur du crime. Cette dualité indissoluble de l'agression est déjà clairement exprimée dans "Saint Sébastien ou Portrait of my lover".